Entrevista a Javier Rodríguez
Por: Lauris Rodríguez de La Calle

Javier Rodríguez, alma mater de este evento, ¿qué os movió a meteros en el lío de organizar un acontecimiento como este?
Bueno he de decirte que las motivaciones son muchas. La percusión es mi pasión, mi profesión, mi modo de vida, y está presente en mi día a día de manera indeleble. Soy desde hace más de 15 años docente en el Conserva-torio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife y en la Escuela Municipal de Música de Puerto de la Cruz, y siempre he creído en que la mejor manera de enseñar es con el ejemplo, transmitiéndole a los alumnos y alumnas el amor y el respeto por la música, por su instrumento, por sus compañeros/as. Es ahí, en las aulas, donde se fraguó la idea de este festival, un festival único de su tipo en Canarias. Donde intentamos que estén presentes las diferentes facetas de la percusión, la clásica, la étnica, la popular… donde cada profesor invitado nos deja sus experiencias y sus vivencias en una clase magistral, para luego, apenas una hora más tarde, deleitarnos con un concierto donde se deja evidencia de lo anteriormente expuesto. Es un festival abierto a todos los públicos, a todas las edades y a todos los gustos musicales, sin distinciones ni excepciones; una familia instrumental tan amplia como la percusión no puede ser excluyente, no va en su naturaleza. Nos inspira la calidad musical del percusionista invitado/a y su disposición a transmitir sus conocimientos. Otro aspecto importante del festival es la presencia femenina, cada vez hay más mujeres dedicándose profesionalmente a la percusión, por lo que siempre tendremos una percusionista invitada, así como también un percusionista canario. En las islas hay muy buenos percusionistas, y no todos desempeñan su profesión aquí, muchos/as están fuera del archipiélago y quizás se conoce poco de su labor. Pues queremos tenerlos aquí, que este festival sea un buen punto de encuentro entre todos/as los/as que amamos esta familia instrumental.

La percusión tiene un poder hipnótico sobre el público que asiste a las interpretaciones, ¿a qué crees que puede deberse?
La percusión, junto con la voz, fueron los primeros instrumentos musicales. Todo partió, de una forma u otra, de ahí. Es quizás por eso por lo que la percusión nos transporta, nos hipnotiza. Como sabemos, es la familia instrumental más amplia que hay, está llena de sonidos, de matices, de contrastes. Sus instrumentos son muy vistosos y por lo general los intérpretes, sean clásicos, étnicos o populares, son muy buenos músicos e instrumentistas. Todo esto hace que cuando estamos en un concierto de percusión nuestros sentidos vuelen y nos abstraigamos, dejándonos seducir libremente por la música, por la magia de la percusión.

El número 1 en el título del festival nos hace pensar que hay una intención de perdurar. ¿Dónde está el límite?
El festival nace con la vocación de perdurar, en esta primera edición hemos contado con el apoyo del O.A.L. y la Concejalía de Educación, Igualdad y Participación ciudadana del Excmo. Ayuntamiento de Puerto de la Cruz. Nuestro deseo es que el festival se convierta en referente y un punto de encuentro para músicos, percusionistas y para todo el que disfrute del arte de los sonidos. Es una propuesta que enriquece el espectro cultural de un municipio turístico como es Puerto de la Cruz y con amplio atractivo tanto para los portuenses como para los que nos visitan.

¿Qué pensáis después de haber concluido el festival, puedes hacer una valoración? ¿Qué habéis aprendido?
Una vez concluido este primer festival nos quedamos con una infinidad de sensaciones, todas positivas. Han sido cuatro días de festival y muchos, muchos de trabajo, antes y durante el mismo, intensos desde el primer momento en que emprendimos la aventura, pero es algo que haces porque te apasiona, porque lo vives y disfrutas. Las tres clases magistrales han estado llenas de alumnos/as, de padres/madres, de compañeros/as percusionistas; los cuatro conciertos igualmente, con una increíble afluencia de público. Y todos los comentarios y valoraciones que nos han llegado, tanto a mí como a la directora de producción del festival, Yudi Acosta, han sido muy positivos. Todos/as nos preguntaban: – ¿Y el próximo? – ¿Será en noviembre de 2019? – ¿Qué percusionistas vendrán? ¿Repetiremos? ¡Por supuesto que sí!  

Y será otro reto, otra emocionante aventura que estamos planificando desde ya. No será fácil, este primer Festival nos ha dejado increíbles sensaciones, magníficas clases magistrales e irrepetibles conciertos, pero sobre todo nos ha dejado la enorme calidad humana de los profesores/as invitados/as y del público. Gracias, muchas gracias a los que nos apoyaron, a los profesores/as invitados/as y a todos/as los que nos acompañaron en cada evento.

Nos veremos pronto, ya estamos trabajando para el segundo, sin prisa pero sin pausa, con mucho cariño y poniéndole todo nuestro corazón, para que sea como cuando tocas percusión, ¡como cuando interpretas sus ritmos… handmade! Muchísimas gracias por vuestra colaboración y buena disposición ante esta entrevista. Esperamos ansiosamente una nueva edición de Ritmos Handmade y agradecemos en nombre de todos los tinerfeños la oportunidad que ofrecéis de disfrutar con la maestría de figuras de la percusión de nivel internacional como las que hemos disfrutado esta primera edición y esperamos disfrutar en las siguientes. Enhorabuena.

Lola Reyes
Redacción

De la necesidad de brindar repertorios musicales poco programados en las salas de conciertos convencionales nace El Afecto Ilustrado, una agrupación de base canaria que acaba de cumplir sus cinco años de existencia.

La modesta presencia de obras musicales comprendidas entre el Barroco y el Romanticismo temprano, y de grupos especializados en su interpretación fuera de los núcleos capitalinos españoles, empujaron a Adrián Linares (Puerto de la Cruz, 1986), violinista, fundador y director musical del ensemble, a su creación.

Concebido como un grupo de cámara innovador y versátil, la filosofía de El Afecto Ilustrado pasa por presentar y acercar al público de una forma próxima y tangible una interpretación historicista del patrimonio musical comprendido entre los siglos XVII y XIX.  Sus componentes despuntan en el panorama musical nacional e internacional, ya sea en la docencia, en la carrera solista o en los principales grupos camerísticos y orquestales del país, y el compendio de todas sus ópticas y puntos de vista puestos en común convierten cada uno de sus programas en experiencias únicas e inspiradoras para el oyente.

El modus operandi del conjunto es, a estas alturas de su trayectoria, una carta identificativa de presentación: una línea paralela de investigación histórico-musical que se vuelca al auditorio como una parte más del suceso sonoro. En este aspecto, los conciertos de El Afecto Ilustrado se convierten en formatos poco explorados, que buscan huir del concepto tradicional de audición. El encuentro cara a cara con el público, el uso de la palabra como hilo conductor, y la fusión con otras disciplinas artísticas como el teatro son, además, otros identificativos del grupo.

Con este afán por presentar y difundir programas de calidad interpretativa, precisión histórica y respeto a las fuentes originales, El Afecto Ilustrado aborda  las músicas europeas de este vasto período histórico, en el que Barroco, Rococó, Clasicismo y el Romanticismo más tierno se dan la mano. Dentro de ellas, el patrimonio musical español e iberoamericano conforma otro de los pilares del ensemble, y su recuperación y difusión, uno de sus desvelos. “La creencia colectiva es que España nunca produjo músicos ni músicas de calidad” señala Linares. “En la calle, la gente mira hacia Europa, pero nombres como Nebra o Durón son todavía muy desconocidos. En los conciertos, hay verdaderas caras de pasmo al escuchar estos repertorios. ¿De verdad son españoles? Nos han llegado a preguntar”

Por otro lado, El Afecto Ilustrado crea programas destinados a poner de relieve asuntos históricos y culturales que merecen un reconocimiento social, tanto a nivel canario, como español o europeo. En este aspecto, la agrupación ya ha abordado temas como la metamorfosis de la música del Siglo de Oro español en Hispanoamérica, así como su influencia en el folklore de Canarias en su programa Ayres de ida y vuelta (2015), una reconstrucción de cómo pudo sonar una tertulia musical en el Madrid de la Ilustración en Café con los Yriarte (2014) o la celebración del 225 aniversario de la muerte de Tomás de Iriarte en su programa Que me escribe la vida (2016).

Si quieres saber más sobre El Afecto Ilustrado, dirígete a su página web www.elafectoilustrado.com, o síguelos en redes como Facebook, Twitter o Youtube, donde cuentan con su propio canal de vídeos.

[ENTREVISTA]

Gustavo A. Trujillo Delgado, compositor canario residente en Holanda desde 1993.

Lo que en un principio iba a ser solo unos cuantos años para estudiar música en los conservatorios de Rotterdam y Amsterdam, se han convertido casi en veinticinco. En la actualidad, es profesor de Teoría de la Música en el Conservatorio de Ámsterdam, asesor artístico de PA’dam, conferenciante, arreglista y compositor freelance. Un orotavense que a pesar de haber abrazado la cultura centroeuropea y sentirse cómodo en los Paises Bajos no deja de reconocer sus raíces isleñas.

Gustavo, después de tantos años fuera, ¿Cómo influye Canarias en tu obra?
—¡En todos los aspectos! Mi música es producto de mi personalidad, y esa personalidad está muy marcada por mi “canariedad”. El hecho de llevar muchísimo tiempo fuera de las islas me ha llevado a reflexionar profundamente sobre mi identidad tanto artística como personal.

Salí de Canarias, como muchos otros, con una gran frustración y rechazo a las islas. En Holanda traté de integrarme y abrazar la cultura centroeuropea, y por un tiempo llegué a ser más holandés que los holandeses. Pero poco a poco, empezaron a surgir conflictos en mi personalidad, que hicieron darme cuenta de la enorme e inevitable influencia de mis raíces isleñas.

Una gran parte de este conflicto afectó también a mi música: de un estilo marcadamente europeo y muy elitista/minoritario pasé a interesarme más y más por la música y tradiciones de las islas, pero también por su paisaje, por el carácter de sus gentes, por las contradicciones, virtudes y defectos de los canarios (que al final resultaron ser los míos propios).

Hoy en día, toda mi música está marcada por esos “genes” canarios, por la música tradicional, por los paisajes abruptos y siempre cambiantes, por la suavidad y la agresividad del entorno de las islas.

Ahora, me defino como un “holandés de medianías”, o como un “mago del pólder”.

¿Cuál es la situación y el futuro del panorama compositivo en las Islas?
—El panorama compositivo y musical, en general, de las islas depende totalmente de nosotros mismos, y sobre todo nuestros políticos, queramos y quieran hacer con él.

El talento musical que hay en Canarias es inmenso. No deja de sorprenderme la cantidad y calidad de los músicos que salen de las islas. Estando en un entorno tan pequeño y tan aislado, este talento sólo se explica por el arraigo que tiene la música (popular) entre nosotros. La música es parte integral de nuestra cultura y nuestra vida: tocar un instrumento o cantar (aunque solo sea en las romerías) es imprescindible para un canario.

Lo que sigue siendo una pena es que muchos jóvenes músicos tengan que salir fuera por la imposibilidad de desarrollar su talento aquí. Cada año llegan al Conservatorio de Ámsterdam, y otros conservatorios europeos, decenas de estudiantes canarios con un nivel altísimo, pero que se han aburrido de la falta de apoyos, sobre todo institucional, para desarrollar su carrera.

Lo curioso es que el nivel de los conservatorios canarios ha subido mucho en los últimos 20 años, y no tiene nada que envidiar a lo que hay en Europa.

Hace un par de años hubo una vergonzosa polémica alrededor del Festival de Música de Canarias que le colocó en el panorama internacional de la forma más negativa. La inclusión de los músicos, compositores y conjuntos canarios en este festival refleja la más absoluta ignorancia y desprecio hacia la música y los músicos de las islas. Como suele suceder, se aprecia más al músico que viene de fuera -la mayoría de las veces mediocre, pero aupado por el marketing- en detrimento del músico de aquí, al que se le regatea el respeto y un salario digno. Si entre todos conseguimos cambiar esta actitud «snob», Canarias se puede convertir en la cuna y cantera de los futuros músicos internacionales.

¿Por qué la composición?
—Desde muy pequeño me gustó escribir música, tanto arreglos y transcripciones de canciones como “obras” originales. Nunca me planteé convertirme en compositor, yo iba primero para odontólogo y luego para astrofísico, pero siempre me gustó ver la música escrita sobre papel, plasmar lo que más o menos oía en mi cabeza y sentir el hecho físico de “escribir” las notas, ver la música sobre el papel.

Eres clarinetista ¿Cómo y cuándo surge el deseo de convertirte en autor?
—El clarinete siempre fue, en realidad, una excusa para hacer y aprender música. Hasta los 16 años no me planteé dedicarme profesionalmente a ella. Fue por un concierto, mi primero, del Festival de Música de Canarias que de pronto lo tuve claro. En esa ocasión actuaba la Orquesta de Leningrado, con un programa que incluía obras (para mi totalmente desconocidas) de Stravinsky y Bartok. Ya durante el concierto sentí que algo cambiaba dentro de mi. Con el aplauso final desapareció cualquier duda: yo quería escribir música como aquella, y aprender a producir y transmitir emociones como las que aquella música me había transmitido y producido. A partir de ese momento, toda mi vida empezó a girar en torno a un único objetivo: ser compositor. Acabé la carrera de clarinete sólo para tener un título y salir a estudiar composición fuera y, por diversos motivos, recalé en Holanda.

Descríbenos un proceso compositivo. ¿Cómo comienza todo?
—En general, podemos decir que hay dos formas básicas de componer: se puede empezar con una idea musical, un tema o motivo que va desarrollándose y creciendo hasta dar forma a la obra. O se puede empezar con un concepto o forma general, que luego se va “rellenando”, poniendo los detalles que conforman la personalidad y carácter de la composición.

En mi caso, uso un poco de ambas técnicas. Suelo empezar con un motivo rítmico o melódico bastante limitado. Luego, a base de repetición y variación, esa primera idea crece muy rápido hasta formar un “bloque” de música con a veces una duración de 20 o 30 minutos. A partir de ahí, empiezo a escuchar lo que ese material quiere y necesita, intento seguir el camino que la música misma quiere tomar. Y empiezo a pulir, a depurar, a quitar lo que sobra y rellenar lo que falta… esos 20 minutos originales suelen quedarse al final del proceso en 4 o 5 minutos de música real.

Me gusta mucho una frase que se atribuye al gran Micheangelo: “Esculpir es fácil. Solo hay que coger un bloque de mármol y luego quitar todo lo que sobra”. Mi forma de componer es muy similar.

¿Qué aspectos de tu vida y del mundo que te rodea sirven de chispa para comenzar a trabajar en algo?
—Mi vida y el mundo a mi alrededor no son tanto una “chispa”, sino más bien una parte fundamental de mi personalidad. Las “influencias” internas y externas son solo relevantes en la medida en que han modelado (y modelan) mi carácter y personalidad, y solo afectan a mi música a través de mi personalidad artística, de una forma totalmente inconsciente e incontrolada. Cuando empiezo a escribir, nunca se qué dirección va a tomar la obra, qué aspectos de mi personalidad van a salir a relucir.

Al final, es la música misma la que decide qué es lo que quiere decir, qué emociones quiere reflejar, qué aspectos quiere destacar o ocultar.

¿Existe diferencia entre componer por encargo o por inspiración propia?
—No, para mi no hay diferencia entre “inspiración” y “encargo”. Soy muy afortunado de recibir encargos constantemente, prácticamente no compongo nada “por mi mismo”. Eso si, solo acepto encargos que me llamen la atención, que me inspiren para ponerme a trabajar y dedicar incontables horas a la realización de una partitura.  Podríamos decir que la “inspiración” y la motivación vienen siempre dadas por la naturaleza misma del encargo.

¿Tienes alguna escuela, tendencia o autor predilecto?
—Es una pregunta muy difícil de contestar. En principio, puedo decir que me gusta todo tipo de música. Algunos estilos influyen mas que otros en mi técnica compositiva, pero no tengo especial predilección por uno u otro.

Cada obra requiere una o varias técnicas especificas, al igual que distintos estados de animo requieren diferentes tipos de música. En mis obras es posible descubrir todo tipo de influencias, técnicas y referencias: desde polifonía renacentista hasta música electrónica (EDM) y folclórica, pasando por compositores tan dispares como Bach, Mahler o Reich.

La predilección, tanto técnica como personal, por un estilo o compositor concreto cambia y evoluciona con el tiempo. Al principio de mi carrera me fascinó Stravinsky; durante mis estudios en Ámsterdam sentí gran atracción por los polifonistas del renacimiento; en mi época en Rotterdam mis gustos se dirigieron hacia la música electrónica y el tecno. Y ahora mismo estoy fascinado por la música de George Benjamin: su última opera, “Lesson in Love and Violence”, me causo una profunda impresión, y emociones que hacía mucho que no sentía.

Dentro de un año probablemente la respuesta a esta pregunta sea muy distinta!

¿En qué te encuentras trabajando actualmente?
—En este momento tengo varios proyectos entre manos: una colección de temas flamencos para banda sinfónica y guitarra, una obra para violoncello solo basada en poemas de García Lorca, varios arreglos vocales e instrumentales de música popular canaria…. Pero el más importante sea quizás un encargo del Festival de Música Contemporánea de Tenerife: un concierto para cuatro percusionistas y gran orquesta, que será estrenado en 2020 por la Orquesta Sinfónica de Tenerife.

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