Actualmente la técnica de serigrafía consiste en traspasar tinta de color a través de una malla tensada en un marco (pantalla). Se sitúa la malla, unida a un marco para mantenerla siempre tensa, sobre el soporte a imprimir y se hace pasar la tinta a través de ella. La impresión se realiza a través de impresora, enmarcada en un marco, que se emulsiona con una materia fotosensible.  La tinta pasa a través de la malla en la parte de la imagen y se deposita en el papel, tela, vidrio, plástico, acrílico y casi cualquier material. El sistema de impresión es manual y repetitivo, por lo que nos permite reproducir la misma imagen, decenas y decenas de veces, sin perder nunca la calidad del diseño.

Rotulación: Con este término nos referimos al arte de dibujar, no precisamente objetos o paisajes, sino letras y números. Si lo hacemos a mano utilizamos pincel y brocha, si es digital utilizaremos un plotter de recorte o de inyección de tinta en el caso de lonas. Cualquiera de estos tipos de rotulación requiere unas reglas: ancho y alto de letra, separación entre letras, separación entre palabras y separación entre líneas.

Cartelería: se refiere a la impresión de carteles. Suele ser sobre una lámina de papel o cualquier otro soporte en la que  se incluyen imágenes de cualquier tipo, elementos gráficos y textos.

Tampografía: Se trata de otra técnica de impresión mediante la cual se puede imprimir todo tipo de objetos con forma curvos o rugosos, con altísima definición. Se basa  en la transferencia de tinta desde una superficie plana, el cliché, a otra superficie que puede ser plana, cóncava, convexa o la combinación de todas ellas gracias a un tampón.  A diferencia de la serigrafía, tampografía es un proceso relativamente moderno.

Ambos serigrafía y tampografía son técnicas revolucionarias que cambiaron totalmente la manera de crear productos promocionales. La principal ventaja de la tampografía es que puede ser utilizada para imprimir objetos deformados que normalmente no podían ser impresos.

Conocemos por impresión digital a la que hacemos directamente de un archivo digital a papel u otros materiales por diversos medios, siendo el más común la tinta en impresora de inyección de tinta (cartuchos), y tóner en impresora láser.

La impresión offset es un método de reproducción de documentos e imágenes sobre papel o materiales similares que consiste en aplicar una tinta, generalmente oleosa, sobre una plancha metálica compuesta generalmente de una aleación de aluminio.

Tanto la impresión offset como la impresión digital son dos tecnologías fundamentales para la imprenta comercial.

La Cueva Gráfica -LCG- lleva ofreciendo servicio en SERIGRAFÍA, ROTULACIÓN, CARTELERÍA, TAMPOGRAFÍA e IMAGEN desde 2007.

Son especialistas en ofrecer productos y artículos para potenciar tu empresa, además, su departamento especializado es capaz de aconsejar y darte la mejor solución a través de su servicio profesional, cortés y del más alto nivel. n

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Por: Benahoare González y Nadia Castilla | Sindrome C Studio • Production & Communication

¿Cómo surgió esta nueva obra? ¿Llevabas tiempo gestándola?

Llevo tiempo queriendo dirigir a otra gente, aunque en esta obra también voy a actuar. Además, quería hacer algo de teatro del absurdo y se me ofreció la oportunidad de estrenar el año que viene.

También estás con la película… ¿cómo la llevas?

Esperando, le faltan cuatro retoques y ya este año festivales, venta y distribución.

Actriz, directora, cine, teatro… ¿Cómo logras vivir “de esto”?

Es al revés, cómo logras que esto viva contigo. Al final todo tiene que ver con el lenguaje y cómo piensas. Y decir cómo puedo vivir yo de esto es de parásito y yo no quiero ser parásito, quiero ser creadora, quiero dar aquello que me gustaría que estuviera;  es lo que quiero hacer.

¿Qué te aporta cada faceta, por un lado el cine y por otro el teatro?

El cine es un espacio donde me quiero descubrir y últimamente tengo muchas ganas de hacer cine. Tengo mucha más trayectoria en el teatro que en el cine, pero es una puerta en la que quiero entrar a saco. Para mí son dos lenguajes diferentes, es como comunicarse o investigar la vida desde dos lugares diferentes. El teatro es como mucho más íntimo, hay una transformación en presente muy fuerte, no solo en el proceso de creación y de contacto con ‘la peña’, sino constantemente, en cada función. Y el cine es algo como mitología, como dejarlo ahí, en la mitología. Pero no lo sé porque estoy empezando en ese camino; eso es lo que intuyo. Cada rama artística me ofrece algo y siento que puedo ofrecer algo.

Y, ¿la música?

Pues hasta ahora lo que ha hecho ha sido transformar los estados que he tenido, cómo utilizarlos, sobre todo a nivel emocional, para canalizar un montón de cosas y descubrir paisajes emocionales y psicológicos sanadores, digamos. Pero justo en este proceso de fuerte cambio en mi vida, en estos últimos 4 años no he tenido proyectos musicales, así que, si ahora fuera a hacer uno sería un descubrimiento.

De personalidad optimista, extrovertido, dicharachero, amigo de sus amigos, solidario, músico, político, actor y sobre todo cercano a todo el que le rodea; en general es un hombre orgulloso de su pasado y podríamos decir que lo que más le caracteriza es su creatividad, lo feliz que pretende ser y lo enamorado que está con todo su trabajo, sobre todo con el trabajo que está desarrollando con el Empleo, la Moda y la Artesanía en Tenerife.

Háblenos un poco del Gigante TENERIFE MODA.

Tenerife Moda, se ha constituido en estos 20 años como medio de apoyo real y tangible para cada uno de sus asociados, ofreciendo asesoramiento, colaboración y dinamismo para todas las empresas y marcas que conforman el colectivo, pudiendo participar de todas sus iniciativas.

La unión de todo el sector y la necesidad de trabajar juntos en una misma dirección ha favorecido la percepción de la moda como un elemento de prosperidad y valor económico en la Isla de Tenerife y, como contrapartida, en el marco general de la Moda de España.

Tiene los objetivos de sumar esfuerzos, potenciar el sector textil, confección y moda, potenciando las empresas del colectivo Tenerife Moda, tanto en España como fuera de ella, favoreciendo la internacionalización y continuar trabajando para seguir fomentando el proceso de desarrollo de la industria textil de la Isla de Tenerife, confección, moda, calzado, bisutería y joyería, moda infantil…

Las empresas del colectivo han ido cumpliendo los objetivos que se habían trazado con un progresivo incremento en facturación, puestos de trabajo, puntos de ventas, unimarca y multimarca regional, nacional e internacional; e inversión en tecnología punta.

Como ya es habitual en todos estos años, desde Tenerife Moda seguimos siendo un apoyo real para cada uno de los asociados, dando como siempre el mejor servicio y estando presentes en todas las iniciativas del sector. En este sentido, los empresarios que componen el total del sector con 46 empresas y 50 marcas, 9 empresas en fase observación, 5 talleres a terceros, incluidos en 10 sectores, constituyen una suma de talento, intuición, imaginación, inspiración y de trabajo industrial, empresarial y financiero especializado.

¿Cómo logró superar la época de las vacas flacas?

El sector, tras sufrir una coyuntura especialmente grave a causa de la crisis, ha ido evolucionando hacia niveles más normales de actividad, tanto en ventas como en producción.

En relación a las ventas, esta recuperación se ha basado en un mayor dinamismo de los mercados exteriores, lo que contrasta con el descenso del mercado español, lastrado por el bajo consumo. Conscientes de la necesidad de buscar vías que potencien la competitividad de nuestros productos, desde las instituciones del sector desde donde se sigue insistiendo sobre la importancia de ”los intangibles en la moda”, son muchas ya las empresas que apuestan decididamente por factores como la creatividad, el diseño, la calidad, la marca y la imagen de sus productos, a fin de consolidar y ampliar sus cuotas de mercado tanto a nivel nacional como internacional.

¿Cómo es posible que las empresas que componen Tenerife Moda hayan logrado ser competitivas, tanto en tendencias como en la producción y en la generación de puestos de trabajo?

Las empresas tinerfeñas mantienen una tendencia al alza en producción. Actualmente existe una nueva tendencia de regreso de la fabricación interna, debido al incremento de costes en terceros países. Se abre así un proceso para que las pequeñas y medianas empresas industriales puedan prestar servicios de fabricación, dotándose con un buen nivel tecnológico, en un proceso de reindustrialización. Empresas con una notable experiencia en el trabajo durante muchos años y el conocimiento de la tecnología que se va aplicar, con procesos que van desde el desarrollo en el diseño, desarrollo de producto, patronaje, confección de muestrarios, corte, confección, plancha, expediciones y fabricación de series cortas, se está consiguiendo el desarrollo de estos procesos en los cuales se requiere el más alto nivel tecnológico disponible en el mercado, ya que es necesario que los costes se reduzcan al mínimo para ser competitivos.

Aquí tenemos que hacer una mención especial a la línea de ayudas a las mejoras productivas que ha puesto en marcha el Cabildo de Tenerife, de las que las empresas del colectivo se han beneficiado, con su consecuente incremento en puestos de trabajo y la pertenencia de Tenerife Moda y el total de sus empresas a las asociaciones y federaciones sectoriales más importantes a nivel nacional e internacional en este tiempo. La colaboración entre todos los implicados en el mundo de la confección, textil y moda en el que vivimos y trabajamos es fundamental.

¿Cómo marida en este binomio la industria de la moda con la artesanía y lo hecho a mano?

Hoy en día, y por causas bien conocidas, el panorama de la moda ha cambiado profundamente. Las grandes marcas trabajan con rapidez, con cadenas de suministro globalizadas, pero al mismo tiempo deben atender requisitos y gustos locales si quieren satisfacer a los consumidores. Mantener un equilibrio rentable entre la producción masiva y los giros locales no es sencillo.

Lo que ha ocurrido en la industria de la moda durante estas últimas décadas se debe al cansancio de los consumidores respecto al modelo global e impersonal que dominaba el mercado. La personalización, el hand made o hecho a mano es hoy la tendencia reina, como confirma la popularidad de la tecnología móvil y de las redes sociales. Si las marcas quieren llegar a los consumidores, deben hablar su idioma, estar cerca de ellos, conocer su cultura local y sus gustos individuales.

Aproximadamente ¿cuántos puestos de trabajo, entre directos e indirectos genera el sector textil y de la moda?

El sector de la moda, es un sector importante y fundamental en la generación de riqueza y empleo.

Actualmente, al cierre del año 2017, podemos hablar de 590 puestos de trabajo, pero sin olvidar que la moda genera muchos otros puestos de trabajo indirectos relacionados con este sector: Fotógrafos, modelos, maquilladores, estilistas, jóvenes diseñadores etc. Así, es importante destacar cómo la moda es el tercer sector generador de la Marca España tras el turismo y la gastronomía.

Pero Efraín Medina se ha ocupado también de otros asuntos: Los emigrantes. Algunos medios recogen que fue su condición de emigrante lo que le facilitó la labor con ellos. ¿Sigue aún vinculado, de forma emocional, con este colectivo?

Por supuesto que sigo vinculado tanto en lo personal donde mantengo contacto casi a diario con familiares y amigos, de Venezuela principalmente, que por desgracia se han visto obligados a retornar desde donde un día como yo, tantos partieron en busca de un mejor porvenir, como de forma profesional dado que desde la Institución Insular se han iniciado acciones y aprobado mociones directamente relacionadas con los Emigrantes y recibo diariamente las demandas del colectivo.

Le felicitamos desde aquí por esa emocionante intervención en un famoso Pleno del Cabildo donde usted solicitó ayuda para los canarios que están atravesando por la peor de las calamidades en Venezuela. Si usted nos lo autoriza podemos ponerle un link a nuestra entrevista.

En el año 1967, en mi pueblo natal, Vallehermoso, cuando se acercaban las Navidades, mi abuela Serafina, que vivía ya con nosotros, (aunque ella siempre soñaba con su casa en Los Chapines) me mandaba al correo a ver si había llegado “carta certificada” de Venezuela. Manolo, el cartero, empezaba a decir los nombres en voz alta y recuerdo que todos los años que fui, como para desesperarme aún más, el nombre de mi abuela, Serafina León Suárez, era nombrado casi al final. “Echa un garabato aquí pero con el nombre de Serafina”, me decía Manolo. Cuando tenía el sobre en mis manos, corría cuesta arriba y llegaba sin aliento a casa gritando: “Abuela, abuela, ¡llegó, llegó!

Llegaba el cheque de Venezuela, el cheque en Bolívares, el cheque con el que empezaban las Navidades en nuestra casa y en muchas casas de Vallehermoso gracias a Venezuela. Mucho antes del turismo y de otros sectores económicos, las remesas enviadas desde Venezuela dieron de comer a muchísimas personas y ayudaron al progreso de nuestra bendita tierra. Mi abuela se sentaba en un banco pequeñito que estaba en la antigua cocina y leía la carta con lágrimas calladas que le recorrían las mejillas. Todos mirábamos sin decir absolutamente nada. Una de mis hermanas la leía después en voz alta para todos. Abuela doblaba la carta y se la guardaba en el delantal y decía: “Tu tío y tus primos están bien, que tienen ganas de venir”

Acto seguido se vestía de negro y bajaba a la Caja General de Ahorros y Monte de Piedad de Santa Cruz de Tenerife para cobrar el cheque y separar lo que después nos dejarían los Reyes. Eso era en la tienda de don Mariano para mi hermano y para mí. A mis hermanas y a mis primas les daba a 25 pesetas a cada una. Se compraba algún turrón (nunca faltó el blando), licores de la marca María Brizard o Licor 43, “por si llegaba una visita por estas fechas”, y el resto del dinero se guardaba, por si surgía “algún imprevisto”, que surgían todo el año.

Mi abuela era mágica. Una vez me habló de La Guaira. Le pregunté por qué hablaba de ese sitio si nunca había ido. Mi abuela me respondió que, de noche, cuando dormía, viajaba en sueños a La Guaira y mis tíos se acercaban a verla. Me dijo que había muchos barcos en un puerto, que era más de mil veces el pescante de mi pueblo, y muchos niños negritos como su delantal. La primera vez que escuché en la barbería de Ramón, en una vieja radio, la canción de “Angelitos Negros” de Antonio Machín, corrí para decirle a mi abuela que a los niños de la Guaira le estaban cantando una canción que decía “angelitos negros”; mi abuela me miró y me dijo: ¿Ves? Yo nunca miento.

Mi abuela murió en el año 1979 sin conocer Venezuela. Yo me despedí de ella sin saber lo lejos que estaba La Guaira. Pensé que volvería pronto, pensé que era un “hasta luego”, pensé que en sueños la tocaría. Pero no la volví a ver más. Yo tuve que emigrar en el año 1975. Confieso que todas las Navidades pongo en un platito un trocito de turrón del blando, miro al cielo y se lo ofrezco. “Abuela, mira, turrón blando con el cheque de Venezuela”. Eso le digo y lo dejo en el patio de mi casa o donde esté.

Mi historia y mis vivencias con mi abuela no tienen nada de especial porque, en miles de casas de nuestras islas, existen historias que nunca se han escrito y que ha dejado la emigración. Historias de nostalgias, de recuerdos, de pensamientos profundos, de distancias insalvables o salvables, historias de gente que nunca más volvió, que se las llevó el Atlántico en la emigración clandestina; gente que ha muerto allá soñando con volver a ver el Roque de Taganana, o Los Tilos, o Arguamul, o el Pinar Nunca más volvieron.

Hoy defenderé en el Pleno del Cabildo una moción para pedir ayuda urgente a los canarios que están atravesando por la peor de las calamidades en Venezuela. Hoy pediré lo que me han pedido que pida, hoy suplicaré lo que me han pedido que suplique, hoy hablaré lo que me han pedido que hable. Hoy no es día para la demagogia, para el provecho político, para el oportunismo. Hoy es un día donde nuestros hermanos que viven en la ‘octava isla’ nos necesitan más que nunca. Nos piden que en estos momentos no los olvidemos. Nos piden porque ahora son ellos los que están necesitando ayuda.

Eso pediré: Pediré lo que me han pedido que pida.

Si algún día cierre su etapa política ¿Qué es lo que tiene pensado?

Con toda seguridad seré EMPRENDEDOR…

Por: Juan Carlos Camacho

Aunque debieron recorrer similares avatares comerciales, lo cierto es que en la actualidad la vigencia del calado y la roseta en Tenerife es desigual  si nos atenemos a la cantidad de artesanas/os que practican el oficio, siendo escaso el número de practicantes dedicados a la roseta, cuya técnica, conocida como “Encaje de Tenerife” o “Teneriffe lace” lleva el nombre de la isla desde hace más de una centuria.

Entre las iniciativas planteadas por el Cabildo de Tenerife para la recuperación de esta actividad artesana en riesgo de desaparición, cuyos resultados pueden ya verse en una de las salas del Museo de Artesanía Iberoamericana, se encontraba la de recopilar  toda aquella documentación que, con mayor o menor extensión, mencionara la existencia y el conocimiento de esta labor fuera de Canarias.

De modo muy resumido expondremos el material encontrado,  agrupándolo en tres bloques:

a) El primero lo conforman las revistas de labores cuyas publicaciones abarcan el primer tercio de siglo XX, casi todas ellas en el ámbito anglosajón, donde dedican números, en ocasiones monográficos, a la enseñanza del “Teneriffe Lace”. Ordenadas cronológicamente podemos enumerar las siguientes:

Weldon’s Practical Needlework, revista inglesa que en los años 1901 y 1902 dedicó tres números, subtitulados Practical Teneriffe Lace, a la difusión de este encaje, con esquemas bien descriptivos de las técnicas de elaboración, tanto de las propias rosetas como de las randas para insertar en los tejidos o para rematar los bordes; The Lace Maker, se trata del nº 2 de un primer volumen publicado en 1903 en Nueva York, por Sara Hadley; The Modern Priscilla, una publicación mensual de 35 páginas dedicada a labores textiles y que en abril del 1906 Cora Anderson escribió un artículo dedicado a nuestro encaje;  Needlecraft, (el arte de la costura), publicado por la Escuela de Bordado de Manchester, cuyo nº 35 del año 1909 abordó la técnica del encaje de Tenerife; Polka Spider-Web (tela de araña), que en sus tres ediciones, publicadas en Chicago a finales de los años 30, le dieron esa denominación al encaje aunque siguieron reproduciendo parecidos modelos de rosetas. Por último, aunque no sea exclusivamente de labores, la revista Blanco y Negro,  dedicaba también numerosos espacios a los trabajos del hogar, publicándose en diciembre de 1925 un pequeño artículo, donde se ensalzan las virtudes del encaje de Tenerife, un posible origen y su influencia en el resto del continente americano, diferenciando esta labor claramente de la del calado.

b) Un segundo bloque, sin duda el más interesante, lo componen pequeñas monografías, en algunos casos a modo de manual, que recogen con verdadera profusión una variada tipología de diseños y aplicaciones de los soles o rosetas que por aquellos años aún se confeccionaban:

Proctor Booklet of designs and instruccions for making Teneriffe and Filet Lace, algo así como Manual de diseños e instrucciones de cómo hacer los encajes de Tenerife y el Filet. Fue publicado por la empresa Proctor Teneriffe Lace Wheel Company en 1903, conteniendo 75 ilustraciones de rosetas.

Teneriffe Lace, diseños e instrucciones, publicado en Philadelphia en 1904, donde se explica la elaboración de 45 diseños de rosetas.

Teneriffa Spitzen. Pequeño folleto o manual publicado a lo largo de la primera década del siglo XX en alemán, francés e inglés, por la Bibliotheca D.M.C., perteneciente a una colección de 38 manuales de labores textiles, editadas por la fábrica de hilos de algodón Dollfus Mieg and Company.

Marie Niedner y Helene Weber elaboraron otro manual titulado Sonnen Spitzen (Encajes de soles) de 46 páginas con 120 ilustraciones con rosetas, algunas de ellas ya desconocidas, y con sugerentes aplicaciones. Data esta publicación de Leipzig (Alemania) de 1920.

Por último, el magnífico manual titulado Thesa Handarbeiten que destacan por la profusa variedad de diseños, bien explicados en más de un centenar de fotografías, y la imaginativa aplicación dada a las rosetas. Salieron a la luz al menos 8 ediciones entre 1920 y 1938, en Alemania y Austria.

c) En el tercero incluimos las referencias que se encuentran en los diccionarios y catálogos especializados:

The Lace Dictionary, New York 1913, que describe la voz “Tenerife” como un encaje similar a una tela de araña con motivos parecidos a los del encaje de Paraguay a base de ruedas y círculos; Grobes Handarbeitsbuch, publicado en Regensburg en 1914 especializado en los encajes de aguja, dedica al “Tenerife” 10 páginas; The Hispanic Society of América ubicada en Nueva York publicó en 1939 el interesante trabajo titulado Hispanic Lace and Lace making siendo su autora Florence May, en el que dedica a Canarias tres páginas donde se mencionan al calado, rosetas y al punto de aguja de Vilaflor;  El Catálogo de encajes, perteneciente a los fondos del Instituto de Valencia de Don Juan, elaborado por Mª Ángeles González Mena y publicado en 1976, se mencionan y describen las “rosas de Tenerife” como encajes a la aguja; Spitzen, Enciclopedia de la técnica del encaje, publicada en Leipzig en 1980, explica también los encajes de soles de Tenerife; Revista Narria, estudios y costumbres populares editada por la Universidad Autónoma de Madrid en la década de los ochenta, analiza en profundidad tanto las labores caladas deshiladas o bordadas como las rosetas o soles tinerfeños, haciendo referencia a sus posibles orígenes y expansión.

Afortunadamente, todos ellos los podemos encontrar en los fondos del Museo de Artesanía Iberoamericana, donde desde hace unos años se cuida y se mima esta técnica que lleva el nombre de Tenerife por todo el mundo.

La II Edición de icoDcine Festival de Cine Low Cost llega este año del 7 al 11 de noviembre. Profesionales, estudiantes y amateurs del audiovisual inundarán de nuevo el municipio con tantas historias como sus mentes sean capaces de ingeniar, luchando por crear el Mejor Corto icoDcine 2018 que además de estatuilla será premiado con 500 euros .

Este proyecto organizado por  Concejalías de Cultura e Igualdad de Icod de los Vinos y producido por Síndrome C Studio volverá a encontrar a la ciudad con el cine durante 4 días en los que Icod vibrará a ritmo de claqueta.

Los galardones serán otorgados por un jurado de excelencia, entre los que se encuentran la actriz y directora Bibiana Monje y el crítico de cine, presentador y director de Días de Radio, Noches de Cine Manuel Díaz Noda. Además, como novedad, los asistentes a la Gala de Entrega de Premios icoDcine 2018 serán los encargados de elegir el Premio del Público.

En paralelo al concurso de cortometrajes caminará El Reto, apartado del festival en que se reta a un/a director/a con experiencia en el sector a rodar un cortometraje en el que debe incluir a todas aquellas personas que deseen participar, por lo que tendrá que agudizar el ingenio para lograrlo.

Antonio Peraza-Hidalgo

Tenerife Noir me fascina, estaba pensando escribir unas líneas sobre esta magnífica edición, pero ¿por qué no entrevistar a su productor y conseguir más información?.

Alejandro Martín Perera, Productor-Director cultural, CEO de C23Culture Consulting & Services, produce, coordina y gestiona el Festival Tenerife Noir. Lleva la dirección cultural del festival que se traduce en una variada y atractiva oferta de actividades que enriquecen cada nueva edición, pero adentrémonos un poco más en este proyecto.

¿Qué ha supuesto la tercera edición?

«La consolidación del Tenerife Noir como el festival de género negro y policíaco de Canarias, con una neta proyección atlántica, ha logrado posicionarse en el circuito de festivales nacionales. En esta tercera edición se han fidelizado las instituciones patrocinadoras y colaboradoras que vienen participando desde la primera edición formalizando una familia noir a la que se van sumando nuevos miembros.»

Ahora quiero preguntarte por TF Noir Express. 

«Es una de las secciones del festival que mejor respuesta del público ha tenido desde que naciera en la pasada edición. Este año ha aumentado el número de profesionales y aficionados del sector audiovisual que se han inscrito en esta modalidad de cine exprés, con un total de 149, que han creado 30 cortometrajes en un plató cinematográfico tan imponente como es Santa Cruz de Tenerife.

Ha habido un salto importante respecto al año anterior en cuanto a la calidad general de los cortometrajes presentados. Pero aún consideramos más significativo el aumento de sinergias y camaradería entre todos los profesionales y aficionados participantes, generando redes y fortaleciendo los primeros estadios del sector audiovisual canario. Esperamos que en siguientes ediciones también participe la Tenerife Film Commission.»

¿Qué ha sido lo mejor de la 3 ª edición?

«Para los organizadores ha sido encontrar nuevos lectores y apasionados que se acerquen al género criminal.

También estamos sorprendidos por el crecimiento que está teniendo el Seminario de Investigación en el Género Negro, que ha pasado de 28 comunicaciones y ponencias presentadas en la edición de 2017, a las 44 de esta edición de 2018, con presencia de investigadores y grupos de investigaciones de países como Estados Unidos, Méjico, Italia…

Ha superado todas las expectativas que teníamos.

Otro aspecto que para la organización es vital y diferenciador es la visión multidisciplinar del Festival, aspecto en el que seguiremos incidiendo.»

¿Qué ha sido lo peor de esta edición?

«El desgaste de ciertos formatos que ya habíamos identificado en la pasada edición y que en esta tercera ha quedado evidenciado.

Ciertas mesas temáticas y presentaciones de libros por muy interesantes que puedan resultar para la organización y la naturaleza del festival, no tuvieron la respuesta que habríamos deseado.

La distribución de libros es un problema general en Canarias y este año las librerías colaboradoras tuvieron problemas serios para disponer de obras de los escritores invitados en esta edición, lo que nos llevará a plantearnos nuevas estrategias para disponer de libros el próximo año.

Sin embargo, el público asistente, así como los seguidores en nuestras redes sociales participarán en ayudarnos a realizar la valoración y diagnóstico de esta edición y proponer correcciones y nuevos enfoques a implementar.»

¿Qué novedades traerá la 4ª edición de este Festival Atlántico?

«Estamos previendo concentrar el Festival en una semana o quizás en 10 días, logrando agrupar las actividades y generar mejores sinergias entre público y escritores, además de optimizar la producción y los recursos económicos y humanos destinados al evento.

Los clubes de lectura que ya existen en la isla y los que verán la luz durante este 2018, serán uno de los nuevos pilares del festival que fortalecerá su eje cultural. Consistirá en proponer lecturas de obras de autores que tenemos previsto que asistan a la siguiente edición, lecturas propuestas por una serie de clubes, que apadrinarán su estancia durante el festival y con los que podrán tener, además de los encuentros públicos del programa del festival, sesiones más cercanas con los escritores, como almuerzos, cenas o excursiones e itinerarios programados. Pensamos que esto puede enriquecer mucho el Festival.

También tenemos previsto reforzar aún más el Cine Express, el Seminario de Investigación en el Género Negro y el Cine Fórum Noir.»

¿Qué queda pendiente del 3er Festival?

«La tercera edición del festival quedó prácticamente cerrada con la entrega del Premio Ciudad de Santa Cruz 2018 al escritor y periodista Carlos Augusto Casas por su ópera prima “Ya no hay junglas adonde regresar” (M.A.R. Editores, 2017) durante la magnífica cena temática que tuvo lugar en el Hotel Escuela Santa Cruz, hotel oficial del festival, el pasado sábado 17 de marzo.

Sin embargo, las actuaciones de Tenerife Noir no se circunscriben únicamente a la semana del festival. Hemos programado una serie de píldoras noir a lo largo de los próximos meses, como puede ser la actividad de coctelería clásica diseñada por Alejandro Alonso (The Slow Cocktails) denominada Old-guard Cocktails, a pure fine selection, vinculada a esas referencias presentes en los films noir y que forman parte de nuestra memoria colectiva. O el proyecto educativo sobre el género negro en Canarias, Islas de Tinta, que ya corre autónomamente y que se desarrolla durante todo el curso escolar gracias a la apuesta decidida de Innovación Educativa de la Consejería de Educación del Gobierno de Canarias.

Y otras interesantes y sugerentes propuestas a las que les invito que estén atentos en nuestra página web y redes sociales.»

Y, por último, ¿somos un festival desconectado o tenemos relación con otros parecidos?

«Es una pregunta muy pertinente que me permite retomar algunas cosas que he apuntado durante esta amable entrevista. La realidad es que, para lo jóvenes que somos, estamos muy bien conectados con festivales similares, y hemos ido tejiendo una red de amistad y colaboración. Esto se ha traducido en esta tercera edición en formalizar el primer encuentro atlántico de directores y productores de festivales de género negro y policíaco: Cartel del Meridiano Cero. Se dieron cita directores veteranos como Lorenzo Silva (Getafe Negro), así como la recién incorporada a la dirección de Pamplona Negra, Susana Rodríguez Lezaun, además de contar con Marc Moreno (Vilassar Noir) o internacionales como el que lleva Fernando López (Córdoba Mata, Argentina).»

Lola Reyes
Redacción

De la necesidad de brindar repertorios musicales poco programados en las salas de conciertos convencionales nace El Afecto Ilustrado, una agrupación de base canaria que acaba de cumplir sus cinco años de existencia.

La modesta presencia de obras musicales comprendidas entre el Barroco y el Romanticismo temprano, y de grupos especializados en su interpretación fuera de los núcleos capitalinos españoles, empujaron a Adrián Linares (Puerto de la Cruz, 1986), violinista, fundador y director musical del ensemble, a su creación.

Concebido como un grupo de cámara innovador y versátil, la filosofía de El Afecto Ilustrado pasa por presentar y acercar al público de una forma próxima y tangible una interpretación historicista del patrimonio musical comprendido entre los siglos XVII y XIX.  Sus componentes despuntan en el panorama musical nacional e internacional, ya sea en la docencia, en la carrera solista o en los principales grupos camerísticos y orquestales del país, y el compendio de todas sus ópticas y puntos de vista puestos en común convierten cada uno de sus programas en experiencias únicas e inspiradoras para el oyente.

El modus operandi del conjunto es, a estas alturas de su trayectoria, una carta identificativa de presentación: una línea paralela de investigación histórico-musical que se vuelca al auditorio como una parte más del suceso sonoro. En este aspecto, los conciertos de El Afecto Ilustrado se convierten en formatos poco explorados, que buscan huir del concepto tradicional de audición. El encuentro cara a cara con el público, el uso de la palabra como hilo conductor, y la fusión con otras disciplinas artísticas como el teatro son, además, otros identificativos del grupo.

Con este afán por presentar y difundir programas de calidad interpretativa, precisión histórica y respeto a las fuentes originales, El Afecto Ilustrado aborda  las músicas europeas de este vasto período histórico, en el que Barroco, Rococó, Clasicismo y el Romanticismo más tierno se dan la mano. Dentro de ellas, el patrimonio musical español e iberoamericano conforma otro de los pilares del ensemble, y su recuperación y difusión, uno de sus desvelos. “La creencia colectiva es que España nunca produjo músicos ni músicas de calidad” señala Linares. “En la calle, la gente mira hacia Europa, pero nombres como Nebra o Durón son todavía muy desconocidos. En los conciertos, hay verdaderas caras de pasmo al escuchar estos repertorios. ¿De verdad son españoles? Nos han llegado a preguntar”

Por otro lado, El Afecto Ilustrado crea programas destinados a poner de relieve asuntos históricos y culturales que merecen un reconocimiento social, tanto a nivel canario, como español o europeo. En este aspecto, la agrupación ya ha abordado temas como la metamorfosis de la música del Siglo de Oro español en Hispanoamérica, así como su influencia en el folklore de Canarias en su programa Ayres de ida y vuelta (2015), una reconstrucción de cómo pudo sonar una tertulia musical en el Madrid de la Ilustración en Café con los Yriarte (2014) o la celebración del 225 aniversario de la muerte de Tomás de Iriarte en su programa Que me escribe la vida (2016).

Si quieres saber más sobre El Afecto Ilustrado, dirígete a su página web www.elafectoilustrado.com, o síguelos en redes como Facebook, Twitter o Youtube, donde cuentan con su propio canal de vídeos.

Lola Reyes
Redacción

Le oí cantar por primera vez junto al Timplista Josele del Pino y durante esta entrevista nos cuenta que con él dió sus primeros pasos en solitario.

Realejera de nacimiento que lleva -gracias a su familia- la música en las venas. Ha estado vinculada desde sus comienzos al folklore tradicional canario, pero preguntada por su estilo nos responde sin dudarlo, “Mi  estilo siempre  está  ligado a la raíz Canaria y a la herencia de la música sudamericana que tanto me ha influenciado”.

Sin duda siente pasión por la música tradicional Sudamericana, de la que se nutre para darle un toque personal a sus interpretaciones. Artistas como Mercedes Sosa, Pablo Milanés, Esperanza Spalding o Evan Ayllón le han influido en su carrera musical.

Los conciertos de Montse García te atrapan por el manejo que hace de su voz, por la sonoridad y la energía que desprenden. Posee una gran habilidad para lograr la atención de todos aquellos que le escuchamos, gracias a la buena combinación que hace de su voz con la expresión corporal.

Confiesa, ¿qué truco tienes para dejar boquiabierto a todo el que te escucha?

«Si hay algo que me caracteriza es la naturalidad, la capacidad de transmitir, de llegar, de emocionar.»

“Desde mi orilla”, tu espectáculo más reciente.

«Se trata de un recorrido musical por  «diversas orillas» sudamericanas, incluyendo aires tales como el bolero, la chacarera, el tango, chachachá, la samba, bossanova, etcétera… con una reinterpretación fresca, sensibilidad y buen gusto, pero con un respeto siempre por la raíz musical de cada canción. Acompañada por Marco del Castillo a la guitarra, Ruimán Martín al bajo eléctrico y Javier Rodríguez a la percusión.»

¿Con qué te sientes más cómoda en tus repertorios, con temas que hablan de soledad, de amor, de nostalgia…? Una canción que signifique mucho para tí.

«Siempre hay un momento para cada canción que indudablemente va ligado a nuestro estado anímico-emocional y esto hace que sientas más o menos empatía por lo que estás cantando.»

“Las Manos de mi madre” de Peteco Carabajal.

Su pasión por el espectáculo le ha llevado a formar parte de diversos proyectos musicales recorriendo distintos puntos de las Islas Canarias y de la Península Ibérica, participando en diversos encuentros de solistas, festivales internacionales y homenajes tan importantes como al gran Ico Arrocha.

Ha formado parte de proyectos musicales tan interesantes como Endechas y Canarias Encanta, dirigidos por el Timplista Benito Cabrera.

Actualmente forma parte del grupo Jeita, dirigido por el pianista, acordeonista y arreglista Jeremías Martín. Además, colabora en distintos proyectos musicales, como el  del guitarrista y compositor Marco del Castillo o junto al timplista Josele del Pino.

Además, compagina su trabajo artístico con el de monitora de canto y música tradicional en la Escuela de Música de Santiago del Teide.

¿Qué consejo le das a tus alumnos?

No hay mayor aprendizaje que el de disfrutar transmitiendo a través de la voz, la mirada, los gestos con encanto, la seducción, sensibilidad, empatía, sonrisas y hasta alguna lagrimilla… y ver el reflejo de un público emocionado.

¿Hay tiempo libre? ¿Quién es Montse García fuera de la música?   

Montse García fuera de la música es hija, hermana, amiga, compañera y  madre de dos seres inmensamente especiales, Tamara y Aitana.

En mi tiempo libre… ¡¡Vivo!!

Gladys Dominguez
Licenciada en Biología y Diplomada en Artes del Fuego

Al preguntar qué son las Artes del Fuego, lo primero que nos imaginamos son las historias de los cuentos del realismo mágico, los tragafuegos, los bailarines del fuego, espectáculos pirotécnicos o cualquier acto circense que nos maravilla porque el artista juega con el fuego, arriesgando, a veces, su propia seguridad.

En realidad, las Artes del Fuego son aquellas artes en cuya producción, campo de valores y proyección simbólica implican la presencia del fuego o del calor producido por éste, ya sea para provocar la transmutación de las materias como parte del proceso, para agregar o acentuar propiedades estéticas, o simplemente para satisfacer el espíritu creativo del artista que se vale del fuego o del calor producido por éste para expresar su forma de ver el mundo y su realidad.

Por lo anteriormente expuesto consideramos artes del fuego a las creaciones cerámicas, vítreas y las metálicas de la joyería artística. Cada obra es, en síntesis, la expresión del aprovechamiento de los efectos producidos por el fuego a cada material: fusión del vidrio, soldadura y ablandamiento de los metales para su manipulación o cocción de las arcillas, además del control del efecto del calor por parte del artista para comunicarse, para evocar atmósferas o para transmitir sentimientos mediante la transformación del vidrio, del metal o de las cerámicas.

Las  Artes del fuego son parte de lo que hoy denominamos Artes Plásticas, ya que son aquellas artes que utilizan materiales capaces de ser modificados o moldeados por el artista para crear una obra; son manifestaciones del ser humano que reflejan, con recursos plásticos, algún producto de su imaginación o de su visión de la realidad. Es por esto por lo que los artistas que utilizamos el fuego como medio de expresión y comunicación para cambiar las formas, añadir colores y plasticidad mediante la sugerencia de movimientos, somos identificados como artistas plásticos de las artes del fuego.

El fuego y la cerámica

Las piezas de cerámica se fabrican a partir de arcillas naturales y componentes minerales mezclados con aditivos de naturaleza diversa. Esta masa terrosa se moldea, se decora y se esmalta según el criterio artístico utilizado para su diseño. Posteriormente se somete a un proceso de cocción en una o varias etapas, lo que le proporciona a la pieza la dureza y estabilidad necesaria para perdurar en el tiempo. La temperatura para la cocción de la pieza oscila entre 850º y 1450º C. El fuego se hace presente por sí mismo a través del calor que genera, utilizando hornos especialmente diseñados para la cocción de las arcillas, bien sean industriales o caseros hechos con piedras y madera.

El fuego y el vidrio

Las piezas de vidrio se fabrican mediante el uso de una o varias láminas de vidrio superpuestas, decoradas o no con pigmentos naturales, pinturas esmaltadas, vidrio molido, hilos de vidrio, metales, etc., utilizando o no moldes para dar forma final a la pieza según el criterio artístico utilizado para su diseño. Una vez definida la pieza, se la somete a un proceso de fusión durante el cual la temperatura de la pieza vítrea oscila entre 600º y 1200º C, dependiendo de la técnica a utilizar. El fuego se hace presente, por sí mismo o en forma de calor, utilizando hornos especialmente diseñados para la fusión del vidrio.

El fuego y los metales

Las piezas de orfebrería se fabrican utilizando metales tales como oro, plata, cobre, bronce, latón o aleaciones de éstos, en forma de láminas o de hilos, fundiéndolas y/o modelándolas mediante el uso del fuego directo en forma de llama para luego martillarlas, labrarlas, moldearlas, fusionarlas, etc. La temperatura para trabajar los metales en orfebrería oscila entre 880º y 1100º C, dependiendo del metal o de la aleación utilizada.

El artista del fuego, como artista al fin, responde a una necesidad de su yo. Se responde a sí mismo y convierte esa necesidad en la creación de una pieza original al agregarle al cerebro y a las manos, el corazón y el fuego, y así dar rienda suelta a su imaginación y a su creatividad, materializando su idea en una obra artística que lleva en su interior el calor del fuego.

Por Lía Barbery | Coach Personal. Escritora | Creadora del Sistema NeuroCoaching® | www.liabarbery.com

¿Por qué arte?

…porque es una fortaleza hecha e interpretada a la medida de cada uno, y a la vez universal, expresada de forma particular, que manifiesta de forma extraordinaria nuestros talentos para alcanzar la expresión más sublime a la que estamos llamados los seres humanos: la de vivir en estado de bienestar.

No basta con sobrevivir, el mandato es el de vivir y hacerlo con intensidad y plenitud. Y una de las claves para conseguirlo es la de cultivar la gratitud como gran recurso potenciador del resto de nuestras fortalezas, a la vez que despertador de nuestras debilidades, la gratitud es el motor que pone en marcha la amplitud de nuestra visión y nos aleja de nuestro propio ombligo para colocarnos en un entorno de crecimiento sinérgico.

La resiliencia y el arte son formas de descifrar y transitar la vida. En ambos casos estamos hablando de interpretaciones del mundo y sus contenidos, así como de las respuestas que damos a estas interpretaciones.

La vida no es lo que te ocurre, sino lo que haces con lo que te ocurre; una vez más, como el arte, necesita de nuestra interpretación para ser validado.

El genial pintor René Magritte, (Lessines, Bélgica 1898-1967) lo representa magistralmente en su obra Las vacaciones de Hegel de 1958.

No resulta curioso el título que elige el pintor aludiendo a la dialéctica del filósofo alemán, y al juego de aparentes opuestos que nos ofrece, ya que en su pintura podemos interpretar que el agua, al tiempo que es aceptada por el vaso, es repelida por el paraguas.

Ciertamente, yo quiero ir más lejos, lo llevo al terreno del coaching, y particularmente al tema que nos ocupa hoy, la resiliencia.

Por ello, propongo que aceptemos la invitación de Magritte en la que nos seduce a entrar en percepciones alternativas que superan el dualismo blanco/negro, bueno/ malo, pierdo/gano, lindo/feo.

Usar la creatividad, rechazar lo obvio, nos está animando a llenar de contenidos cada resquicio y nos entrena en la lectura de la letra chiquitita, en la que parece decirnos:

“Oye, acepta que está lloviendo – y eso no lo puedes impedir-, piensa qué puedes hacer para que el agua te afecte lo menos posible, y además, considera qué beneficio puedes sacar de esta mojadura… Es cierto que estás protegido por un paraguas, aunque igualmente podría salpicarte; te propongo que pruebes a colocar un vaso sobre el paraguas, y verás que cuando deje de llover, habrás conseguido acumular una cantidad de agua que te resultará muy beneficiosa”.

Este cuadro nos habla de los acontecimientos que se encuentran más allá de nuestras posibilidades de control frente a los cuales podemos adoptar dos posturas: lamentarnos (mojarnos) o desplegar recursos (abrir un paraguas), para que el perjuicio sea el menor posible (mojarnos poco y secarnos rápido), y además y por encima de todo, capitalizar la experiencia para fortalecer nuestras destrezas de personalidad resiliente, ya que no solo somos capaces de recuperarnos del evento (secarnos), sino, y esto es lo maravilloso del ser humano, podemos, a partir de esta vivencia, sacar un beneficio (hemos colocado un vaso en el que se deposita agua fresca) que nos permitirá en el futuro contar con nuevos recursos de gestión de situaciones adversas.

Las adversidades son oportunidades para construir la personalidad resiliente.

La palabra RESILIENCIA proviene del vocablo latino “resilio” que significa volver atrás, rebotar. En física, se refiere concretamente a aquellos objetos que tienen la capacidad, tras recibir un golpe, de volver a su forma anterior, y es de allí de donde la toman las ciencias sociales para describir las personalidades resistentes o personalidad del superviviente

La resiliencia es una capacidad innata que potencialmente todos poseemos y que nos permite, después de vivir una situación adversa o crítica, recuperarnos, seguir adelante y hasta en muchos casos salir fortalecidos.

Al igual que tantos otros talentos que tenemos, debe ser ejercitada para poder disfrutar de la misma, de manera que esta facultad se entrena, desarrolla y optimiza a medida que vamos viviendo y asumiendo con responsabilidad los sucesos a los que nos enfrentamos.

Un proceso que dura toda la vida y que nos permite ser más eficientes y asertivos.

Al entrar en esta dinámica de bucle ascendente, estamos creciendo en resiliencia, y comprobando la vieja premisa de que “lo que no te mata, te fortalece”.

Frente al impacto de una situación traumática pasaremos por un ciclo que nos lleva, antes que a nada, a la negación de lo vivido (¡oh! Por qué siempre me ocurre a mí), luego al miedo por la nueva situación a la que debemos enfrentarnos (siento miedo ante cualquier cambio), de allí pasamos a la frustración porque nos sentimos incapaces de gestionar lo que está ocurriendo (no podré con esto, siento que me supera), pasado este período comenzamos a construir en resiliencia, por lo que desarrollamos nuevas habilidades y recursos hasta que completamos el ciclo, ya fortalecidos y reformulados en nuestra percepción de nosotros mismos; se puede decir que nos hemos reinventado. 

El ciclo se cierra de forma adecuada, es decir, generando empoderamiento, cuando nos hemos preguntado:

• ¿Qué tiene este evento que pueda enseñarme? 

• ¿Qué herramientas o habilidades debo aprender para superarlo?

• ¿Qué puedo hacer a partir de esta situación?

En esta etapa del proceso es fundamental que hagamos elecciones optimistas, que pongamos nuestras expectativas a funcionar en positivo, siendo creativos y entusiastas. Crearemos hábitos que nos impulsen y estimulen, que nos hagan sentir comprometidos con nuestro bienestar y responsables del mismo.

Victor Frankl. Viena, 1905. Médico psiquiatra, creador de la Logoterapia, sufrió internamiento en los campos de concentración de Auschwitz y de Dachau, falleció en Viena en l997.

La Logoterapia basa sus principios en la búsqueda que hace la persona para conectar con el sentido de su vida, siendo esta búsqueda la fuerza más movilizadora para el ser humano. Y como es lógico, es una búsqueda y una satisfacción personal e intransferible, un camino que hacemos cada uno de nosotros de forma específica. Una búsqueda y un camino que hace cada individuo de acuerdo a su propia idiosincrasia. Varios estudios estadísticos demuestran que es esta ansia de búsqueda de sentido y finalidad en la vida la que mayoritariamente impulsa a las personas.

Superar la indefensión aprendida, entender que si en algún momento de nuestra vida hemos sido incapaces de superar los obstáculos, no quiere decir que la incapacidad se perpetúe en nosotros, y al mismo tiempo reconocer nuestra vulnerabilidad y tener el coraje suficiente para pedir orientación y ayuda para reinterpretar la situación y reformular nuestra postura frente a la vida y sus circunstancias.

Es como si la vida y nuestro devenir dentro de ella pudieran ser percibidos como un gran puzle que indefectiblemente volverá a desarmarse (la vida es un juego)  Y volveremos a armar el puzle, y cada vez que lo armamos, descubrimos que es más fácil de reconstruir y que además hasta podemos disfrutar del proceso. Estamos experimentando con consciencia plena los desafíos de la vida.

Te dejo aquí algunas CLAVES:

Narrativa Terapéutica. Reescribe tu propia historia.

Verbalizar las emociones es siempre terapéutico. Cuando lo hacemos de forma escrita estos beneficios se incrementan sensiblemente.

Prueba a realizar una narración sobre el episodio adverso que has vivido, tú serás el protagonista, o sea que estará escrita en primera persona, y el final de tu narración en cualquier caso será un final feliz. En este final se evidencian los cambios positivos que se han operado en ti y las estrategias resilientes que has utilizado. La narración describe el proceso que has atravesado, deteniéndose en el que eras al comienzo y esta nueva persona resiliente en la que te has convertido.

Este es un escrito privado, solo para ti. Encuentra un lugar cómodo para hacerlo y escribe sin parar durante 20 minutos y durante cuatro días consecutivos.

Recuerda siempre describir en la narración las emociones que vives a lo largo del proceso.

¡Utiliza el método Noé!

En mis cursos siempre hago referencia a este recurso cuando pretendo construir en resiliencia a manera de colchón. La mejor resiliencia es la que actúa de forma preventiva de las situaciones traumáticas. De manera que es bueno preparar el terreno, empoderarnos antes de que las circunstancias desfavorables se presenten. Ya sabemos que estar vivos conlleva la condición de vulnerabilidad. Los riesgos son inherentes al hecho de estar vivos.

Si reconocemos que esto es así, actuemos y hagamos como hizo Noé. Este personaje no esperó a que empezara a llover para construir su famosa arca, comenzó antes, y gracias a su previsión pudo llevar a cabo su objetivo. Pues bien, sigamos su ejemplo.

Preparemos un listado con todas aquellas características individuales que construyen nuestra personalidad resiliente.

¡La figura del Arca son nuestras capacidades, para que cuando nos caiga el chaparrón nos encuentre bien pertrechados!

Haz un trato contigo mismo.

La próxima vez que te encuentres frente a una situación conflictiva o que tú percibas como adversa, desafíate y plantéate preguntas que te empoderen, que te permitan indagar sobre alternativas diferentes, estrategias que no has utilizado hasta el momento. Pregúntate, por ejemplo: ¿por qué no?, ¿qué pasaría sí?

Piensa en alguien que tu consideras que tiene la destreza ideal para dar la mejor solución al tema en cuestión, y pregúntate ¿qué diría/haría, ella/él en esta circunstancia?.